Premiere der Oper "Medea" in St. Gallen
Neue Vorarlberger
Tageszeitung
Kultur - 28. Oktober 2009
von Anna Mika
Großartig, aber
unbekannt
Die Südostschweiz
Kultur - 26. Oktober 2009
von Reinmar Wagner
Eine beinah vergessene
Oper in die Moderne transferiert
Schwäbische Zeitung
24. Oktober 2009 von
Werner M. Grimmel
Furchtbar wird die
Rache der Betrogenen
Vorarlberger
Nachrichten
Kultur - 20. Oktober 2009
von Christa Dietrich
Antike Helden im
Lotterbett
Südkurier
Kultur See -
20. Oktober 2009 von Peter E.
Schaufelberger
Eine tragische Gestalt
David Alden als Gastregisseur verlegt die Handlung an den Anfang des 19. Jahrhunderts, wobei allerdings nur die von Bühnenbildner Giles Cadle und Kostümbildner Jonathan Morrell prachtvoll ausgestatteten Szenen am Hof des Königs Creonte und vor allem die sorgfältig einstudierten Auftritte des Chores dieser zeitlichen Festlegung entsprechen. Denn nicht äußeres Gepränge kennzeichnet die Oper, obwohl einzelne Bilder durchaus pompöse, wenngleich ironisch gebrochene Festlichkeit ausstrahlen, sondern die musikalisch wie szenisch und vor allem inder Personenführung überaus intensive Zeichnung der einzelnen Figuren.
David Alden zeigt die "Medea" in einer pompösen, aber ironisch
gebrochenen Kulisse. Hier Wojtek Gierlach als Creonte (oben) und Evelyn
Pollock als Creusa.
Foto: Tanja Dorendorf
Die Handlung spielt ganz in Korinth. Weit zurück liegen die Untaten Medeas, die Giasone in ihrer Heimat Kolchiszum Goldenen Vlies verholfen hat, ihm in dessen griechische Heimat gefolgt ist und sich hier mit ihm vermählt hat. Giasone aber hat sich mittlerweile von ihr ab-und Creusa, der Tochter des Königs Creonte zugewandt; sie ist ihm als Frau versprochen, und wie er siegreich aus einer Schlacht zurückkehrt, scheint er am Ziel: Die Hochzeit der beiden wird verkündet, Medea soll verbannt werden, ihre beiden Kinder jedoch sollen in Korinth bleiben. Doch Medea kämpft, verbündet sich mit dem Athener König Egeo, der seinerseits nicht von der ihm ursprünglich zugedachten Creusa lassen will. Und das Unheil nimmt seinen Lauf: Ein vergiftetes Kleid, das Medea der Königstochter zur Hochzeit schenkt, bringt dieser und ihrem Vater den Tod, Medea tötet ihre beiden Kinder und rächt sich so an Giasone; sie selber entflieht mit Egeo, den sie zuvor aus dem Gefängnis befreit hat.
Die äußeren Geschehnisse folgen ziemlich genau der griechischen Sage. Doch Mayr und sein Librettist Felice Romani haben die Gewichte subtil verschoben. Medea ist nicht das Monster, das Verderben bringt, wo es hinkommt, sondern die Fremde, die Barbarin, die ihrem Geliebten gefolgt ist, für ihn ihre früheren Verbrechen begangen hat und nun, da sie ihm im Weg steht, wieder weggeschickt, verbannt werden soll. Süß und sehnsüchtig umschmeichelt die Solovioline ihren ersten großen Auftritt wie auch die ausgedehnte, mit grandios gesungenen Koloraturen gespickte Arie, in der sie sich in ihre Wahnsinnstat an den Kindern hineinsteigert – beides lange Momente, in denen Elzbieta Szmytka die ganze ausweglose Tragik dieser Medea aus sich herausschleudert, das Entsetzen in Erbarmen und Mitleid umschlagen lässt.
Gegenbild ist der Giasone Mark Milhofers: Er wird zusehends zum berechnenden, gefühllosen Spieler, der nach Medea nun auch Creusa nur braucht, um seine eigenen Ziele zu erreichen. Da kann seine wandlungsfähige Stimme schneidend scharf werden, seine Körpersprache als Lüge entlarven, was er seiner neuen Geliebten schmeichelnd einflüstert. Zwischen diesen beiden zentralen Gestalten steht Evelyn Pollocks Creusa, stimmlich tadellos auch sie, hin und her sich biegend zwischen vorbehaltloser Zuneigung zu Giasone und leisen Anflügen misstrauischer Abwehr. Ihrem Vater Creonte, mit Stummelbeinen in den Rollstuhlgebannt, gibt Wojtek Gierlach Züge eines Mannes, der seiner Gefühle und seiner Sinne nicht mehr durchwegs mächtig ist, während Lawrence Brownlee den Egeo mit ungemein kernigem und doch beweglichem Tenor und ebenso großer szenischer Präsenz gestaltet.
Große Oper auf der Bühne, große Oper auch im Orchester: Das Sinfonieorchester St. Gallen unter der Leitung seines Chefdirigenten David Stern musiziert mit spürbarem Engagement, schwelgt bald in betörendem Schönklang und strömender Melodie, lässt sich dann wieder zu brüsken Ausbrüchen und beinahschmerzhaften Kontrasten verleiten. Eine Fülle schöner Soli der Streicher wie vor allem der Bläser lassen die Partitur in ihrer ganzen Farbigkeit aufblühen. Und doch bleibt weder instrumentale Farbe noch sängerische Kunstfertigkeit je Selbstzweck; beide sind vielmehr eingebettet in die weiten Linien und vor allem in eine differenzierte Ausdeutung von innerem und äußerem Geschehen.
Neue Zürcher Zeitung
20. Oktober 2009 von
Jürg Huber
Mordende
Sympathieträgerin
Abendzeitung
20. Oktober 2009 von
Robert Braunmüller
Wilde Beschwörung der
Unterwelt
St. Galler Tagblatt
19. Oktober 2009 von
Bettina Kugler
Applaus für
Opernrarität
Rache ist süffig
Der Landbote
19. Oktober 2009 von
Herbert Büttiker
Epochaels zwischen den
Epochen
Donaukurier
Ingolstadt
Kultur - 19. Oktober 2009 von Jesko Schulze-Reimpell
Im Steinbruch der
Mythen
Lange Schatten des Unglücks: Hinter Medea (Elzbieta Szmytka) sieht man
die Silhouette der ermordeten Kinder im Kinderwagen
Foto: Dorendorf
Die Anstrengungen von Operndirektor Peter Heilker (dessen Anliegen es seit Jahren ist, Mayrs "Medea" herauszubringen) haben sich also gelohnt. Sie waren allerdings auch nötig. Denn dass Simon Mayr einer der besten Komponisten der Zeit um 1800 ist, hat sich in Fachkreisen längst herumgesprochen. Was letztlich auch nach der Ausgrabung der Oper "Fedra" 2008 am Staatstheater Braunschweig immer noch der Überprüfung harrt,ist die Bühnentauglichkeit seiner Werke. Die "Fedra"-Produktion gab dafür Anhaltspunkte, trotz gravierender Schwächen der Regie. In St. Gallen hatte man dagegen einen der international besten und vor allem innovativsten Regisseure engagiert. Der Amerikaner David Alden, der während der Intendanz Peter Jonas’ fast so etwas wie den Status eines Hausregisseurs an der Bayerischen Staatsoper hatte, gilt als einer der stilbildenden Regisseure.
Die Oper dekonstruiert
Mit der 1813 im Teatro San Carlo in Neapel uraufgeführten "Medea" hatte Alden eine überaus glückliche Hand. Alden ist der große Dekonstruktivist des Musiktheaters. Opern spielen bei ihm nicht mehr an genau bestimmbaren Fixpunkten im Raumzeitkontinuum, sie haben überhaupt kein genaues Bezugssystem, sondern ereignen sich im Mythenreich. Hier ist alles erlaubt, was die Handlung deutlich macht. So beginnt die Oper scheinbar im Empire der Mayr-Zeit, wenn Creusa (in der griechischen Mythologie: Glauka), die Tochter Creontes (Kreon), vor Furcht und Sorge bebend die Bühne vor einem Prospekt mit einem poppig dargestellten griechischen Streitwagen betritt. Aber dabeibleibt es nicht: Sofort werden Bezüge zur Bibel entwickelt, wenn ein Kind hinter Creusas Chaiselongue einen Apfel verführerisch in die Höhe hält. Später rollt ein moderner Kinderwagen über die Bühne, ein Empire-Saal weitet sich zu einer maroden Hochhaus-Wüstenei. Alden benutzt die Symbole unseres kollektiven Unterbewusstseins wie einen Steinbruch. Er nimmt sich, was ihm brauchbar erscheint, von der griechischen Antike bis zur Ikonografie des Hollywood-Films. Da erscheint Medeas Ehemann Giasone, der sie verstoßen will, um die schöne Creusa zu heiraten, in Blue Jeans und langem (manchmal goldenen) Mantel wie ein Held aus einem Italowestern (Kostüme: Jonathan Morell). Und die bösartig-verzweifelte Medea verwandelt sich in einen einsamen dunklen Raubvogel. Wenn sie die Trauung stört, flattern bedrohlich Vögel über die Kulissenwand, als befänden wir uns im Hitchcock-Film.
Vor allem aber ironisiert Alden das Bühnengeschehen und gibt der anfangs noch eher heiteren italienisch-melodienseligen Musik damit eine ganz eigene Bedeutung. Zu den lustvoll-lustig trällernden Klarinetten und den perlenden Harfenarpeggien tänzeln naiv die Hofschranzen durch die Kulissen, die Damen mit hochtoupierten Haaren, König Creonte als kindischer gackernder Alter im Rollstuhl. Erst wenn Medea wie aus einer anderen Welt kommend Berührung mit dem dekadenten Hofstaat aufnimmt, wird die Musik genauso düster wie ihr vogelartiges Kleid.
Verkehrte Welt
Für den Anfang des zweiten Aktes, wenn Medea ihren Racheakt plant, hat Mayr vielleicht die depressivste Musik seines Lebens komponiert. Bläser und Streicher grollen in Moll, während die Kontrabässe völlig allein unirdisch kalte chromatische Klänge produzieren: Musik zum Gruseln.
Man merkt: Medeas blutige Rache zerstört den komisch-bunten Hofstaat. Plötzlich befinden wir uns in einer verkehrten Welt. Das Publikum scheint von hinten auf die Kulissen zu blicken. Mit Pegasus reitet nun nicht mehr der vermeintlich positive Held Giasone heran, sondern der Gegenspieler Egeo von entgegengesetzter Seite. Und auf dem Kinderwagen rollen die Leichen der Kinder herein, genau so, dass er in Medeas großem Schatten zum Stehen kommt. Das Orchester stimmt eine letzte entsetzende Trauermusik an, mit eiskalt blökenden Trompeten und überhitzten Streichertremoli.
Auch wenn Mayrs Oper noch eine Opera seria ist, betritt der bayerische Komponist Neuland. Denn er wertet die Rezitative musikalisch auf, begleitet sie dramatisch, dass sie eine ganz eigene Qualität des Sprechgesangs entwickeln. Ein Bruch zwischen Arie und Accompagnato-Rezitativ ist so kaum noch zu spüren.
Die mitunter berückendsten Szenen hat Medea gerade in Rezitativen, etwa im ersten Akt, wenn sie mit düsteren lang gezogenen Tönen die verlorene Liebe beklagt. Hier wird sehr viel von der Medea-Darstellerin erwartet, deren Sopran sowohl hochdramatisch dunkel als auch sehrflexibel sein sollte. Elzbieta Szmytka geht die gewaltige Partie eher mit einer koloraturseligen, etwas zu leichten Stimme an. Fast perfekt singt und spielt die Sopranistin Evelyn Pollock die Gegenspielerin Creusa. Und auch die anderen Rollen sind vorzüglich besetzt, hervorstechend der Nachwuchsstar der Metropolitan Opera Lawrence Brownlee als Egeo.
Einen exzellenten Eindruck hinterließ das Sinfonieorchester St. Gallen mit seinem Chefdirigenten David Stern. Gerade die zahlreichensolistischen Passagen (Violine, Harfe, Klarinette ), die der Oper ihren spezifischen Charakter geben, gelangen hervorragend. Stern dirigierte mit Drive und Sinn für die melodische italienische Belcanto-Musik. Er hat der Musik Mayrs in dieser Produktion den wohl größten Dienst erwiesen.
Simon-Mayr-Tage 2009
Donaukurier
Ingolstadt
Kultur - 21. September 2009 von Jesko Schulze-Reimpell
Gute Musik, schwaches Libretto
Klangmächtiges Oratorium: Franz Hauk
dirigiert "Samuele" in der Ingolstädter Asamkirche
Foto: DK / Rössle
Lähmende Handlung
Ein Mangel, an dem auch das 1821 uraufgeführte "Samuele" zu leiden hat. Vor lauter retardierenden Momenten, vor lauter komponierten Gebeten, Hymnen, Märschen, Lobpreisungen passiert einfach zu wenig. Es dauert lange, bis der einzige psychologisch spannende (innere) Konflikt kulminiert: Samuele muss seinem Lehrer Eli schweren Herzens beibringen, dass Gott dessen sündige Kinder bestrafen wird, dass er ihm, Samuele, die Macht geben wird. Aber Mayr komponiert diesen dramatischen Konflikt als vom Orchester begleitetes Rezitativ – sicherlich dramatisch und gekonnt. Aber durch Arien und Duette wäre man dieser zentralen Passage gerechter geworden. Dann folgt der musikalisch gewaltigste Abschnitt des Oratoriums: Gottes Zorn richtet sich in einem Gewitter gegen das verbrecherische, ungläubige Volk. Hier kann sich Mayr austoben, den Chor zornig aufschreien, die Piccoloflöte zuckende Blitze imitieren lassen, durch heftige Tremoli der Streicher und kühne Dissonanzen der Blechbläser Weltuntergangsstimmung ausmalen. Das ist vorzüglich komponiert, ähnlich wie die Gewitterszene der Oper "Fedra". Andere Passagen des etwa anderthalbstündigen Werks sind weit weniger dramaturgisch gelungen – und doch hat Mayr verblüffende Musik geschrieben. Etwa das erste Duett zwischen Anna und Elcana, den Eltern von Samuele: Wie gewandt Mayr hier eine naturhafte Schäfchenidylle hintergründig hinzufügt mit wenigen Einsätzen des Horns, der Flöte und Klarinette das ist einfach beispiellos. Ganz anders als in der frühromantischen Oper üblich gestaltet das Orchester hier nicht nur den harmonischen Hintergrund für die Sänger, sondern hat ein eigenes Gewicht, mit eigenständigen Motiven. Überhaupt: Die Instrumentationskunst Mayrs ist brillant. So kommt er auf die Idee, eine Arie der Anna fast ausschließlich nur von Bläsern begleiten zu lassen. Oder er fügt am Ende des Oratoriums ein kleines Melodram ein, das von Harfe, Cello und Solovioline umspielt wird. Der Erfolg der Aufführung in der Ingolstädter Asamkirche hat natürlich auch viel mit den vorzüglichen Musikern zu tun. Dabei ragte der ziemlich bekannte, balsamisch weicht singende Mozart-Tenor Rainer Trost (als Elcana) mit seinem Talent keineswegs besonders heraus: Auch die anderen drei Solisten waren durchweg hervorragend.
Fesselnder Mayr-Chor
Susanne Bernhard (Anna) beeindruckte mit ihrem ziemlich mächtigen und zugleich sehr klar klingenden Sopran, Andrea Lauren Brown (als Samuele) machte Eindruck durch die knabenhafte Reinheit ihres Gesangs und mit ihrer Fähigkeit, am Ende ungeheuren Zorn darstellen zu können. Ein fabelhafter Bariton ist zudem Jens Hamann (Eli), der seine Rolle höchst differenziert und klangschön anging. Fesselnd, intonationssicher und kraftvoll agierte zudem der Simon-Mayr-Chor, eine hochprofessionelle Leistung. Und auch das Georgische Kammerorchester spielte auf gewohnt hohem Niveau unter der Leitung von Franz Hauk. Der allerdings hätte gelegentlich noch markantere Akzente setzen können.
Donaukurier
Ingolstadt
Kultur - 18. September 2009 von Jesko Schulze-Reimpell
Ein bedeutender Tenor singt Simon Mayr
Tenor Rainer
Trost bei der Probe in der Ingolstädter Asamkirche
Foto: DK/Herbert
Jetzt singt
er in Ingolstadt, gestaltet zusammen mit dem Dirigenten Franz Hauk und dem
Georgischen Kammerorchester Simon Mayrs Oratorium "Samuele". Ihn zu
engagieren war dabei ausgesprochen unkompliziert: Ein Telefonanruf von Hauk,
ein Blick in den Terminkalender und Trost hatte sich entschieden. Der Grund
dafür ist einfach: Der gebürtige Stuttgarter liebt es, jenseits der
ausgetretenen Pfade des Klassikgeschäfts Neuheiten zu entdecken. "Ich finde
es besser, mal ein hervorragendes Werk von einem eher unbekannten
Komponisten vorzustellen, als die 185. Version von einem Haydn-Stück, das
vielleicht gar nicht besonders gut komponiert wurde. Nur weil Haydn
draufsteht." Ein noch wichtigerer Grund für das Engagement: Trost schätzt
den Belcanto-Gesang, jene Gesangschule, die besonders im 18. und frühen 19.
Jahrhundert einen besonders wendigen und klangschönen Stil pflegte. Mayrs
Oratorium ist dabei für Trost "reinstes Belcanto". Er schwärmt von dieser
immer etwas heiteren Stimmung, die selbst dann vermittelt wird, wenn es um
Trauriges geht, von der Leichtigkeit und dem Filigranen der Stimmführung.
Ihm gefällt das opernhaft Sinnliche, das Farbige dieser Musik – "gerade als
Katholik". Für ihn ist die Asamkirche mit ihrem barocken Pomp geradezu der
ideale Aufführungsort für die deutsche Erstaufführung von Mayrs "Samuele".
Mit den Idealen des Belcanto-Gesangs geht Trost seit Jahren auch seine
übrigen Rollen an. Die allerdings gehören nicht unbedingt zur
Belcanto-Literatur im engeren Sinne: Bellini, Donizetti und Rossini hat er
in seiner Karriere bisher eher selten gesungen. Seine künstlerische Heimat
ist vielmehr die Wiener Klassik. Die wichtigen Mozart-Partien hat Trost, der
seit Jahren freiberuflich arbeitet und nur wenige Jahre in Hannover fest im
Ensemble wirkte, unzählige Male auf der Bühne dargestellt, fast immer mit
großem Erfolg. Aber manchmal bedauert er auch die Einseitigkeit – Ausdruck
des Schubladendenkens der Konzertveranstalter und Dirigenten. Denn er fühlt,
dass seine Fähigkeiten über Mozart hinausgehen. "Meine Stimme ist eigentlich
auch sehr gut für Koloraturen geeignet. Dennoch hatte ich bisher kaum die
Möglichkeit, in Barockopern mitzuwirken." Dennoch denkt er nicht daran, sein
Repertoire massiv zu erweitern, wie etwa sein Studienkollege Jonas Kaufmann,
der kürzlich Wagners Lohengrin in München darstellte. Sein musikalisches
Wirken, das spürt Rainer Trost, wird immer im Umkreis von Mozarts großen
Opern stattfinden. Diese künstlerische Nähe hat allerdings nichts mit der
räumlichen Nähe zum Lebensumkreis des genialen Komponisten zu tun: Trost
lebt in Wien – aber nur, weil es ihm dort gefällt. "Ich mag einfach das
Legere", erzählt er. In seiner Freizeit beschäftigt sich Rainer Trost mit
seinen Hobbys: Er ist ein leidenschaftlicher Sportler, gerade hat er den
Tauchschein absolviert. Aber er fährt auch gerne Motorrad. Angst um seine
Stimme hat er bei all diesen Aktivitäten eigentlich nicht. Solange man
vorsichtig sei, könne wenig passieren, meint er. Und: "Man darf es nicht
laut sagen, aber: Das schlimmste für die Stimme ist letztlich das Singen."
Donaukurier
Ingolstadt
Kultur - 06. September 2009 von
Friedrich
Kraft
Klangprächtiges Lamento
Riesigen Beifall gab es für die Aufführung
des Mayr-Oratoriums in Ingolstadt.
Foto: Schalles
Ingolstadt (DK) Die Internationale Simon-Mayr-Gesellschaft mitsamt ihrem Netzwerk hat hinlänglich zu tun. Vieles aus dem umfänglichen Werk des gebürtigen Mendorfers und Wahlitalieners bietet sich an zur Wiederbelebung.
Zum Auftakt der Simon-Mayr-Tage gab es nun
in der voll besetzten Kirche Maria de Victoria die Ausgrabung des
geistlichen Oratoriums "Il Sacrificio di Jefte", das Opfer des Jefte,
von 1795.
Zugrunde liegt ein Stoff aus dem Alten Testament, der hebräischen Bibel,
aufgezeichnet im Buch Richter, Kapitel 11. Jiftach, so die Schreibweise
in der Originalsprache, gehört dem jüdischen Stamm Gilead an, wird, weil
Sohn einer Hure, von den Halbbrüdern verstoßen, dann aber wegen seiner
Tugenden als Krieger zurückgebeten, um als Häuptling sein Land gegen die
feindlichen Ammoniter zu verteidigen. Vor der Schlacht gelobt Jiftach
dem Gott Jahwe: "Gibst du die Ammoniter in meine Hand, so soll, was mir
aus meiner Haustür entgegengeht, wenn ich von den Ammonitern heil
zurückkomme, dem Herrn gehören, und ich will’s als Brandopfer
darbringen." Das Gelübde hat eine tragische Konsequenz. Jiftach kehrt
siegreich zurück, und aus seinem Haus kommt ihm entgegen "mit Pauken und
Trompeten" seine Tochter, sein einziges Kind, dessen Schicksal damit
besiegelt ist. Das Mädchen, im biblischen Text namenlos, fügt sich
darein, erbittet aber noch eine Frist zur "Beweinung meiner
Jungfrauenschaft" in den Bergen. Die Erzählung schließt lakonisch: "Und
nach zwei Monaten kam sie zurück zu ihrem Vater. Und er tat ihr, wie er
gelobt hatte. Und es ward Brauch in Israel, dass die Töchter Israels
jährlich hingehen, zu klagen um die Tochter Jiftachs, des Gileaditers,
vier Tage im Jahr."
Johann Simon Mayrs ziemlich
schmalbrüstiger Librettist Giuseppe Maria Foppa lässt die Handlung mit
Jeftes Rückkehr aus dem Krieg beginnen, gibt der Tochter den Namen Seila,
stellt ihr mit Abnero einen fürstlichen Liebhaber zur Seite, fügt die
Rolle des Hohepriesters Jaddo ein und walzt ansonsten die biblische
Episode in barocker Gefühligkeit und psychologischer Sprunghaftigkeit
aus, insinuiert schwammig, dass die Jungfrau nicht als Brandopfer
sterben muss, sondern nur der irdischen Liebe entsagt, um sich in den
Dienst der göttlichen zu stellen.
Ein großes Lamento jedenfalls über fast zwei Stunden – vom Komponisten
aber klangprächtig und -sinnlich opernhaft erhöht. Hier wiederum zeigen
sich Mayrs bedeutende Talente: seine Instrumentierungskunst, sein Faible
für Tonmalerei, die effektvollen Vorlagen für Vokalsolisten. So ergibt
sich nach einer erstaunlich heiteren Einleitungssinfonie ein rascher,
lebendiger, kurzweiliger Wechsel von Rezitativen, Arien, Duetten, Trios,
Quartetten und Choreinlagen.
Grandios nun bei der Aufführung in der Asamkirche die Solosänger,
insbesondere die Altistin Stefanie Irányi in der unglaublich
ausdrucksstark gestalteten Rolle der Tochter Seila, mit wunderbarem
Stimmpotenzial und Dramatik gleichfalls sehr beeindruckend der Bassist
Jochen Kupfer, der Tenor Robert Sellier und als Jefte die Sopranistin
Hrachuhi Bassénz. Allesamt auf höchstem Niveau, ein Spitzenquartett.
Dazu ein sehr feiner Beitrag dreier professioneller Sängerinnen aus dem
Chor: Ines Krapp, Laura Faig, Anna Lapkovskaja. Und in glänzender
Verfassung insgesamt ließ sich erneut der Simon-Mayr-Chor hören wie auch
(mit unbedeutenden Eintrübungen) das Instrumentalensemble.
Am Schluss riesiger Beifall und ein Sonderapplaus für Franz Hauk, den
nach altem Usus vor dem Cembalo agierenden musikalischen Leiter.
Donnerstag, 03. September 2009
Vorbericht Simon-Mayr-Tage in Ingolstadt 2009
Download des Fernsehberichts von INTV
(im Flash-Video-Format)
BR2 -
KulturLeben
Bericht vom Donnerstag, 03. September 2009
Vorbericht über die Simon-Mayr-Tage 2009
IZ - 02. September 2009
Donaukurier - Kulturteil - 08./09. August
2009
Donaukurier
Ingolstadt
Kultur - 02.
August 2009
von Karin Derstroff
Wiederentdecktes Oratorium
Probe im Kamerariat:
Stefanie Irányi, die mit Seila die größte Solistenrolle hat, und Franz
Hauk, der künstlerische Leiter.
Foto: Herbert
Ingolstadt (DK) Für den Laien klingt es perfekt, wunderbar, betörend. Aber Franz Hauk, der Experte, feilt ausgiebig und unerbittlich am Detail. "Das muss aggressiver kommen" oder "zu lange Pause!" – und dann heißt’s, nur höflichkeitshalber in Frageform: "Machen wir’s noch mal" Da wird der Ruf nach Espresso laut.
Immerhin seit mittlerweile sechs Stunden sind vier Sänger und vier Streicher unter Hauks Dirigat in Arbeit, und Schluss ist heute noch lange nicht. Erste gemeinsame Solistenprobe zu "Il Sacrificio di Jefte" im Kamerariat, das am Freitag in der Maria-de-Victoria-Kirche als Auftaktkonzert die Simon-Mayr-Tage 2009 eröffnen soll. "Das ist für ein Oratorium eh schon eine lange Probenzeit", sagt gelassen Bariton Jochen Kupfer, der Espressodurstige, der mit Hrachuhi Bassénz (Sopran), Stefanie Irányi (Alt) und Robert Sellier (Tenor) die in der Tat "illustre" Solistenbesetzung im lang vergessenen Oratorium stellt. 1795 komponiert, schlief das Werk nach einer Geschichte aus dem Alten Testament 200 Jahre in den Archiven, nun soll "der Oratorienkrimi als moderne Uraufführung" seine Wiederauferstehung feiern. Dauerhaft: Auch diese Produktion wird auf CD veröffentlicht, die Aufnahmen laufen schon vor dem Konzert und füllen den Terminplan der Sänger noch etwas mehr. "Es ist schon anstrengend", sagen alle vier, und singen und trällern trotzdem auf dem Weg hinunter in eine kurze Pause weiter. Denn: "Es ist eine wunderschöne Musik", lobt der am Gärtnerplatztheater engagierte Tenor Robert Sellier, der wie ausnahmslos alle vier Solisten auf namhafte Wettbewerbsgewinne, Preise und beste Kritiken verweisen kann. Sellier singt Abnero, Liebhaber von Seila, welche von ihrem Vater Jefte Gott geopfert werden soll: Unglückseligerweise tat der Feldherr einen Schwur, um aus misslicher Lage zu entkommen. Dramatische Töne, hochpoetischer altitalienischer Text – "sehr schön und leicht", meint Kupfer, der die Rolle des Priesters Jaddo übernommen hat. "Farbig, sehr dramatisch angelegt, das Libretto macht was her", urteilt Stefanie Irányi, die mit Seila die größte Solistenrolle hat. "Aber auch meine Arien sind wunderbar", ergänzt die an der Staatsoper Nürnberg engagierte Sopranistin Hrachuhi Bassénz, die den Jefte singt. "Ich hätte nicht gedacht, dass Mayr so ist." Wie Kupfer und Sellier hat sie erstmals mit Mayr zu tun, während Irányi schon beste Erfahrung hat: Im Oratorium "The Marriage of Tobias" – die entsprechende CD wird beim Auftaktkonzert verkauft – sang sie die Titelrolle. Wirklich alte Hasen sind indes das 20-köpfige Simon-Mayr-Ensemble und der etwas kleinere Chor. Freilich: Letzterer auch diesmal ein ausgewählter Projektchor, und nicht jeder, der dabei sein wollte, ist dabei.